评价张大千的美术史地位与及其艺术价值(4)

　　如果说追踪宋元为北方画家首倡，那么1940年代张大千远赴敦煌，面壁石室，由师法画家画与文人画同擅的水墨，一变而为追踪宋以前画家画所专擅的丹青，就不得不称是凭张大千的一己之力了。大千之师敦煌，主要是在双钩人物上着力，但更为深刻的意义，在复起高古的人物画造型、用笔之外，还在于让世人重新认识了中国画色彩的表现力。

　　正缘于此，张大千才自信地高喊出自己的画，“不是文人画，而是画家画”的宣言。这标志着自董其昌南北宗论笼罩艺坛、文人画雄霸画坛三百年后，画家画在新时期中国画坛的回归，已然得到自觉的确认。这也令世人认识到，因文人画独兴导致的执著于笔墨而忽略造型的问题，其实完全可能从中国画内部来解决。

　　同时，正是因为全面了解并掌握了传统绘画的源流与技巧，张大千绝不会像从西画入手的画家那样，片面反对文人画。大千题画，每称“作家士气兼到”，这与董其昌倡导“精工之极，又有士气”的观点，虽站在画家画与文人画的不同立场，但在更高的层面，却产生了殊途同归的共鸣。

　　张大千是近现代画史八大浪潮中两拨潮流的主将，他因而也成为1930—40年代中国画坛的风向标。不夸张地说，他画风的每次变化，都会引领当时画坛风气发生相应的改变，直至进入改革开放后的新时期，张大千在海外创成的泼墨泼彩新格，还是深深地影响了大陆画坛……

　　张大千的艺术史意义，至此或可判然。

　　古典、现代艺术的分野与张大千艺术的特色

　　由于二十世纪的社会巨变与科技发展，人们所能见到的古代名画的质与量，均已全面超越前人，故这一代画家的眼界已然跨越明清。突破南北宗论三百年来的桎梏，因而也会在这个时代发生。张大千正是最为充分地利用了这一条件。

　　说张大千是近代最为全能的画家，并不为过。像他这样精通于人物、山水、花鸟各科的画家，不能说没有，但达到他这种深度——探索水墨与丹青的历史直至其源头，并且做到学而能舍，不为古人所囿——则可谓绝无仅有。

　　这里说的深度，与青菜萝卜各有所好的个性无关——单从个性而不从功力角度出发，幼儿园小朋友也能成为全能画家——而是指的熔铸古今的眼界与能力，这可以解释张大千何以做假出名。由于二十世纪的社会巨变与科技发展，人们所能见到的古代名画的质与量，均已全面超越前人，故这一代画家的眼界已然跨越明清。突破南北宗论三百年来的桎梏，因而也会在这个时代发生。

　　张大千正是最为充分地利用了这一条件，在有限的生涯里把历朝历代几乎所见的古画看了个遍，也学了个遍，很多甚至都能以假乱真，集其大成而自出机杼，开创出内涵极深的自成一格的新风，真正厘清了中国画自古至今的历史(由于南北宗论的臆说，此前的中国画史几已成传说)，才深刻地影响了画坛。这在古往今来的历史上，极其罕见。

　　说到学古，不得不谈其价值问题。西方现代艺术推崇“独创”观念以来，画坛一直流行着一种似是而非的认识：临古没有意义，创新才有价值。

　　近现代绘画由于有了西画的参照，特别是1980年后出于对主题创作的逆反而对西方现代艺术“独创”观情有独钟，导致有人对中国画师古嗤之以鼻。事实上，这是一种非常低幼的认识。惟其低幼，开慵人懒汉无数方便法门，故极易流行。

　　事实上，近代中国画坛虽有不惟学古的画家，但他们却莫不曾学西画或民间艺术，不学古画也不学西画或者其他艺术形式而能独创的画家，至少中国画史上不曾出现过。

　　学毕加索、波洛克……学西画，被认为是创新，学宋元明清……学传统，却被认为是摹仿(很多人对“艺术即摹仿”的内涵其实也并不真正理解)，相信明白点事理的人都知道这是荒唐的，但是，确实不止一两个研究者是依照这种幼齿的逻辑来评判中国画的。

　　绝去依傍如赤子般凭空创造，在首兴于西方的平民化的现代艺术里，理论上确有可能，但在像中国画这样精英化的古典美术中，却没有生存土壤。

　　这里说的现代艺术，是指平民化、普泛化的现代艺术形态，而非仅指西方艺术史上的现代主义阶段，其中先锋的追求，相对带有精英色彩。近年由于市场的兴起，此类艺术被命名为“当代艺术”，概念上有极大歧义，故暂以“现代艺术”一词来概括这一艺术现象。

　　现代艺术与古典美术是建立在两种不同基础上的艺术形态，两者并非绝对不能通融，也有一定重合，但其依存的基础、表现观念与手法，却存在极大区别，甚至有根本的对立。

　　西方现代艺术虽由古典艺术生发而出，但由于社会基础与认识观念的变化，却导致这两者适合存在于不同的空间与人群之中。今人对此理解很不清晰，常常可以看到一些人的表述，将两者混为一谈。

　　现代艺术的兴起基于文化普泛化的平民社会，古典艺术的产生则缘于精英化、贵族化的等级社会。比如与现代艺术密切相关的包豪斯设计，崇尚简捷实用，强调功能至上，处处彰显着平民观念，这与古典时代巴洛克、洛可可装饰崇尚奢华繁复甚至无论功能的贵族化审美相比，显然大异其趣。

　　现代艺术是建立在自由平等观念上的平民文化，尊重表达感觉的多样性或者说个性，给人以充分自由的表达权利。换言之，即使你感觉这种表达荒唐之极，也没有剥夺其表达的权利。古典美术强调的“美”在这里并不重要，现代艺术强调的是捕捉真实感觉。这种感觉，既可能有美感，也可能毫无美感，甚至让人难受(比如便溺、自杀也可纳入艺术创作)。但如果了解现代艺术的历史与内涵，就可以理解它的产生其实契合着社会变革的步伐，在现代设计中更有其广泛的实用空间——现代艺术将艺术从过去属于极少数人奢侈品的小圈子里解放出来，赋予普通人以表达的权利，崇尚“人人都是艺术家”的观念。这正像王阳明说一阐提人皆得尔成圣贤，充分体现了对每个个体良善之心的肯定，同时也意味着绝去依傍的独创，在理论上是成立与可能的。

　　古典美术则大不同于此。

　　古典美术的产生，是建立在等级社会少数贵族独享艺术的基础上。惟其赞助者有权、有钱、有闲，决定了古典艺术必须具备严格的技术含量与广博的文化含量，比如要求艺术家通融大量其他艺术形式以丰富表现，如诗歌、文学、书法甚至音乐等。这不但要求创作者，而且要求欣赏者同样具有深厚的学识与素养。缺乏素养，不用说欣赏，甚至理解都很困难。也惟其赞助者有权、有钱、有闲，决定了其供养的艺术家，需经长期磨炼与学习才能达到要求。交响乐、芭蕾、京戏、昆曲，古典油画、雕塑以及中国画等等这些艺术表现形式，都属精英、贵族艺术的代表。古典艺术因而也成为一种追求美的精雅艺术，在英语中叫作Fine Art(直译为“优雅的、好的艺术”，也即“美术”)。