基础油画问题100问(九)

多层覆盖法是相对于一次性作画法定义的。在一次性作画法中，物体的造型及色彩必须兼顾完成，而多层画法是分步进行的。首先在底色层上或精确或粗略地勾画出素描关系，在不过多考虑细节的基础上薄涂一层颜色，然后铺设覆盖层。欧洲古代大师在铺覆盖层时通常采用一次完成作画法，这样能保持画面的生动感。同时也常用坦培拉颜料作底色层，坦培拉颜料含油少，干得快，并且能够提高覆盖层各种色彩的亮度。

现在多层覆盖着色法与古代有所不同。全山石先生“写意式”的肖像画，采用的同样是多层覆盖法。单色起稿后，以阔大的12号油画笔蘸松节油稀释颜色铺大体色，画面呈现清新淡雅的水彩效果，接着仍以富有弹性的大号鬃毛笔，用“三合一”调色油（调色油、光油、松节油各1份），以强有力的笔触塑造形体，以鲜明的色彩拉大画面的冷暖对比。进行第三遍颜色覆盖之前，喷一遍衔接油，便于颜料层的衔接，再以刮刀与画笔的结合使用进行深入塑造。画家杨飞云在准确细致地勾画出素描稿之后，力求以大中号画笔采用直接画法将画面铺满，接下来用小号画笔从人物头部开始作进一步塑造，最后使用膏状媒介剂（玛蒂树脂与熟油混合而成，可用松节油稀释）调稀薄的颜色，仍从头部开始罩染，直到最后调整完成。

覆盖层的着色应尽可能一次或一次一个部分地完成，同时底色层必须干燥，否则吸油。根据古代欧洲大师的“肥盖瘦”原则，覆盖层用的颜料一定要比底色层含油多一点。底层颜色最好用松节油稀释后薄涂，调色剂用于覆盖层。在覆盖层使用的颜色中，无论是否需要，都加一点白色颜料，能避免此后色层变黑和产生裂纹。

底色层用统一的颜色，比使用固有色或对比色更容易获得和谐的画面效果。所以底色层尽量避免过于强烈的色彩，把注意力集中到素描和造型的完善上。

82．什么是直接画法？

直接画法即综合各种笔法和刀法，直接在画面上同时解决形与色的塑造问题。直接画法的特点：完成作品时间短、笔法灵活、能充分展现油画艺术技巧，是油画基础教学和近、现代写实派画家常用的技法。

法国浪漫派大师德拉克洛瓦是继承与发展直接画法的画家之一，他使色彩重叠，将两种以上的颜色交叉并置使用，此法经过印象派发展成“点彩法”。直接法即把素描与色彩造型结合起来，在直接描绘中一并解决形、光、色、质和空间问题。17世纪以后采用综合性直接画法的人愈来愈多。法国画家库尔贝、俄罗斯画家列宾、美国画家萨金特等运用此法创造出辉煌的艺术成就。

我国老一辈画家亦多采用直接画法。如罗尔纯先生作画时基本不起稿，直接用刮刀和画笔铺大体色，将对物象形体的把握与铺色同步进行，色块之间的交界即为物象的外轮廓。色彩相互渗透、叠加，通过点、线、面使画面产生节奏感和韵律感，同时注意疏密对比和均衡关系。

在运用直接画法作画时，着色层一般较厚，而且不易使用松节油等挥发性强的调色剂，颜色干燥慢易于色层的结合。

直接画法与一次完成作画法有直接的联系，但又有很大的不同。一次完成作画法要求用最短的时间和最直接的方法，将一幅画或画面上的某一部分一次性画完，可以是直接画法也可以是其它方法。直接画法常采用一次性完成，如野外写生，但也采用多层覆盖、罩染等完成。

现代油画的直接画法与古典油画技法中的直接画法也有不同。现代直接画法主要是凭画家瞬间的洞察力，准确把握和扑捉光与色的感觉，用随心所欲的“速写”方式，直截了当地塑造形体，具有即兴而作的清新感。它能充分发挥画家的艺术创造力，使画家能够以饱满的热情，娴熟的技艺，纵情挥洒抒发情感。雷诺阿这样说：我作画根本没有什么条条框框，当我观察一个裸体时，所见到的无非是上千种细微的色调，我得千方百计找到一些生动的色调，以便使我所画的肉体在我的画布上颤动起来。古典油画中的直接画法是指用不透明色或调和了白色的颜色厚厚地直接着色作画，它区别于提白罩染。17世纪的荷兰画家在直接作画时，常利用“遮光取景器”，如图36。根据遮光取景器反射到画布上的投影，直接用平涂法敷出大面积色彩，然后直接着色，刻画物体。如图37，弗美尔的《吉他演奏者》即是一例。

83．什么是“色块”作画法？

色块作画法是直接画法的一种基本方式，完美使用这一技巧的艺术家是19世纪法国画家保罗·塞尚，如图38。“色块”是指艺术家运用蘸满颜色的画笔在画面上“摆”出的块状笔触。这些色块有机组合在一起，构成具有可视形象的画面整体。绘画的全过程都是在色块的交织中进行的。

“色块”画法一般从阔大、简单的笔触开始，在作画过程中笔触逐渐变小、变复杂，直到显现出细节。用色块画法，调色基本上是在调色板而不是在画面上进行的，这有利于一次性完成画法。开始时以大而平的笔触、以简单的形式画出大的构图，确定作品的“大感觉”，此阶段要以薄涂为主，过厚的部位要用调色刀刮一下。一旦确定了构图和主体色调，就要少用或不用调色液。这时用小号画笔刻画细节，色彩可“厚”一些，直到作品完成，色彩逐渐丰富、厚重、明亮。整个作画过程，画家就像雕塑家一样工作，初做粗坯，渐至完善，只不过一个使用油彩，一个使用泥土；一个创造二维空间，一个创造三维空间而已。

84．什么是“点彩”分色画法？

“点彩”即使用小号油画笔以色点形式塑造物体。在这种纯粹的表现形式中，色点是未经调和的纯色，颜色以极小的形状直接运用。

在19世纪光色科学理论影响下，法国新印象派画家认为物体所有的色彩都是可以分割的，于是产生了分色画法，它与传统绘画观念和方法泾渭分明。最初的分色法，是画家在调色盘上把各种颜色成分找出来放在一起，不作或少作混合，就搬到画布上去，使每一笔颜色都保留本来的色相，使画面色彩生动而丰富。后来雷诺阿等画家用颜色并置法，使用小笔触或小色点，将纯正不调和的颜色摆到画面上。修拉将这种色彩技巧发展到一个极端，他采取纯色的微小圆点层层排列，当把画放在适当的距离时，在看画人的眼中，这些分离的原色点通过视觉自然地进行调和。比如蓝色点与黄色点并置可产生绿色，再加红色点则变成灰色，这是用“点”的方式来作画的特有效果。

修拉用极其认真的态度安排每一个色点，在他的画面上色点闪跃跳动，能再现阳光的气氛，并且使树木、草地、房舍或者水，具有特定时间的特征。那些小色点呈现出色彩生命的丰富性，使人感受到那特定场景的生动印象。他的油画《大碗岛星期天的下午》如图39，是他花费了两年的时间“点”成的一幅代表性作品。画面中的色点大小一致，感觉是“戳”而不是画出来的。

采用“点彩”技法最好使用鬃毛和貂毛小画笔，用浓稠的调色剂（如聚合亚麻仁油）调色，那样能使画布上的色点如同镶嵌画一样美丽。

另外，“点彩”分色法也可以采用细小的条状笔触作画，或与色点混合并用。

85．什么是“干笔”画法？

所谓“干笔画法”是指不使用或极少使用调色油或其它调色媒介，而是使用大号硬毛画笔直接蘸取颜料作画，这是直接画法的一种方式。

干笔作画会留下干枯甚至生硬的笔痕，它不同于一般的笔触。未经充分调和的颜色堆积会产生点彩画般斑驳陆离的色彩，需要视觉调和，产生和谐绚丽的效果。

干笔下的色彩于粗糙之中闪动着跳跃的光泽，慢慢堆积起来的颜色以最普通的方式描绘物象，松散的笔意有利于画面的反复修改。

干笔画法适用于任何底子，包括画布、木板和油画纸。但硬支承底子更好，它不会因着色时用力过大产生麻烦。

采用直接画法的作品，可以全部使用干笔画法，也可以部分使用以创造粗糙肌理和闪光的质感，还可以在透明画法的底画阶段塑造肌理色底。干笔产生的粗糙的不均匀的色层为上光油彩提供了一个有利的场所，那些透明发光的颜色隐藏在粗糙表面下会给画面增添无穷的魅力，如图40。

86．什么是“平抹”画法？

与“干笔”画法相反，“平抹”画法追求无任何笔痕的玻璃般光滑平整的画面效果。

“平抹”画法的要求如下：

（1）首先是选用细纹理亚麻布，做底子时用砂纸反复打磨，以求细腻的质地。

（2）在绘制作品的任何一个阶段都不要使用厚涂的、容易产生明显笔触的画法。

（3）尽量避免使用调色液，特别是浓稠的聚合调色媒介。要使用新鲜的油画色，用树脂松节油稍加稀释即可。

（4）素描底稿要准确、清晰。

（5）第一层油画色要用干净均匀的笔触画出，不能有隆起，颜色要充分调和。

（6）在着色过程中要多使用扇形笔将颜色抹平，小的油画滚子和棉抹布也能派上用场。

（7）要求得平滑的表面，多层画法是必要的，色彩靠层次丰富起来。

（8）“平抹”作为一种技法只运用于绘画过程的一部分为最好，因太多的平抹会使画面色彩贫乏无力。若与厚涂、干笔等技法并用，更能体现其质地特征。

87．怎样使用画刀作画？

用画刀作画始于威尼斯画家提香。提香晚年研究出全新的油画技法，既用画笔也用调色刀、手指涂抹颜色，形成了他独有的绘画风格。

画刀能创造出画笔达不到的效果。由于画刀的大小和形状各异，从锐利的尖头到圆头和平头多种样式，因此可以用画刀做出各种质地效果，艺术家可以从容地按自己的兴趣运用画刀。

画刀画法采用直接运色方式，可以从锡管里挤出颜色直接在画布上作画。白色画布就像一个大调色板，用画刀在画布上调和颜色并布满画面，对于不满意的部分可以随时刮掉重新上色，当然也可以在调色板上调和颜料涂于画布。用画刀作画能使画面颜色有一种特殊的明亮感，从整体上提高了色彩的纯度。

虽然细致刻画不是画刀的长处，但画家通过技法的运用和控制，还是能表现出很多的细节。如图41，是一幅整个作画过程都应用画刀完成的作品。首先用一把窄画刀的刀尖画出菠萝的轮廓，再用一把宽的平头画刀涂上大体色。之后用大号刮刀刮去多余的颜色，产生一种粗糙的质感。接着用一把多功能调色刀调和厚重的白颜色抹上背景。在深入刻画阶段，使用各种画刀，采用砌、压、拖、抹、刮等多种刀法来增加菠萝的质感，丰富画面的颜色。

画刀画法的美感来自于颜色运用的随意性。虽没有严谨、柔和的表面，却能带来意想不到的情趣，多种偶然性产生令人愉快和惊喜的画面效果。

逆画技法是画刀画法的特殊技巧。先将颜色涂于画面，然后用刀尖和侧边刮出物象的形体。这种技法充分利用了油画慢干的特性。这一步可以作为一幅新油画的第一个色层，也可以作为透明画法的纯灰色阶段。如图42。

油画刀的刮色技法既可用于未干的色层，也可以用于刚刚干透的色层。刀刮法透出的底色，能够使人产生诸多联想。惠斯勒画肖像时，每对着模特画一次，就把所画的部位刮一遍，产生一个很美的、变化无穷的细腻色层。这样，当作品完成时，画面色层很薄，但色彩却极其丰富、自然。

马奈、萨金特、勃纳尔等许多画家经常使用刮色技法作画，利用刮刀法产生偶然效果。刮色技法能使画面清新、活泼、富有生气，产生绝妙的引人入胜的色彩效果。

88．什么是超级写实和幻境画？

超级写实也称照相写实，是现代科技与写实性绘画技法结合的产物。美国画家察克·科罗斯是超级写实主义的代表人物之一，他作有十多幅巨型头像，追求比照相更写真的视觉效果。此画法精细缓慢，如图43。

超级照相写实技法的特点：

（1）作品多取材于现实摄影，纯客观真实地描绘物象，作者的情感受到压制，技法仅是技巧而已。

（2）在色调和情调上有别于照片。“概括”和“提炼”只是对照片的切割剪裁。

（3）为充分展示物象细节，常把物象放大几倍或几十倍，使作品产生强烈的视觉冲击力。

（4）富有装饰性特色。

超级写实作品的制作程序如下：

（1）将事先拍好的底片用幻灯机或将照片用实物投影仪放大到画布上。

（2）用油画颜料或丙烯颜料参照相片进行细致的摹写，力求形体结构准确、细节详尽丰富。

（3）使用喷枪将平整、干净、光亮的部位喷罩一层颜色，使画面色彩过渡自然，减弱笔触的痕迹。

现代超级写实作品多采用丙烯颜料，因为丙烯颜料溶于水和酒精，便于喷绘，干得快，要取得表层光亮效果，常在表面涂一层上光油。

画家石冲用油画颜料进行照相写实绘画。他首先根据构思制作实物，然后拍成照片，再根据放大后的照片用小号圆头笔从局部开始点画，逐步画满整个画面，最后润色罩染，整理完成。

幻境画派是19世纪70至80年代在美国兴起的，一百年后在法国再生，其中最为成功的当代画家克劳德·伊维尔曾来中国讲学。幻境画所创作的目的在于使我们承认被画物体的真实存在，终极之点是让观赏者忘却画布和油彩的存在，而“神思入境”，错把再现的真实当成客观的真实。

幻境画的技巧是掩饰所有的绘画痕迹，不带有个性风格地再现现实。

伊维尔教授所用的材料是：

（1）亚麻布，油质底子（详见“油质底子的制作”）。

（2）玛蒂树脂光油，膏状媒介剂（详见“媒介的制作方法”）。

（3）颜料粉，最好是从矿物、植物和动物中提取的。必备的颜料粉有：铅白、土黄、土红、熟褐、象牙黑、铁黑、群青、钴蓝、湖蓝，还有用量不多的那不勒斯黄，中国银，中黄、茜素红、翠绿。颜料粉研磨时，使用生、熟核桃油的混合油（2∶1）。

作画程序：

（1）摆静物，勾小稿。

（2）用硫酸纸将完成的纸上素描稿拷贝到画布上。

（3）用棕灰色（土红、钴蓝和铅白调和）和三倍松节油稀释过的熟核桃油，在画布上勾线。再用铅白调和熟褐进一步画出素描关系。

（4）用熟核桃油加松节油调和加过铅白的所需颜料（通常有铅白、土黄、土红、砂、钴蓝、群青和铁黑），薄涂第一遍色。这一遍画得要比对象浅灰，薄而透明。

（5）待第一遍色干后，用刮刀修饰凸起的颗粒，用巴拿马树皮水（可用非常淡的洗涤剂替代）或松节油清洗画面，干后用媒介剂加五倍松节油稀释薄刷一遍，再用松节油加媒介剂调色辅第二层颜色。

（6）晾过五、六天后，再清洗，再用媒介剂加四倍松节油稀释薄刷。之后进行罩染，使颜色饱和，并描绘细节，通过罩染，达到丰富、透明、晶莹、浑厚的特殊美感。

（7）让画干半年以上，再清洗上光。如图44伊维尔先生的《绘画工具》。

89．什么是抽象画法？

抽象画是针对有具象内容的绘画作品而言的。抽象画强调画面的点、线、面、色彩、笔触、肌理等纯绘画语言的构成，具有只可意会不可言传的隐喻和内涵。它是作者与观赏者之间心灵的对话和情感的交流，同时又是作者智慧的体现。

抽象作品的制作与审美过程是严肃的。看似“胡闹”的作画过程却有着极为严格的构成原理和非常传统的技术法则。它讲究构思的巧妙、新颖，力求符号化的形与色在画面中的视觉平衡，注重造型的对比、呼应和内在的整体性，强调画面的节奏和韵律，探索形、色、线、肌理的丰富内涵。

抽象画的描绘与制作，除油画颜料外，还使用油漆、涂料等多种颜料。为获得触摸感，常附加实物拼贴。

抽象艺术的先驱者之一康定斯基，是感情抽象画派的创始人。他主张以色彩、线条、形状作为表现思想和唤起感情的主要手段，否定了绘画的客观形象和具体内容。但在他的《小小的乐趣》等作品中，色彩与线条实际上都表达和服从于一个富有高能量的带启示录色彩的形象。“抽象”和“无意识”派的大师米罗也没有完全抛开与客体相联系的形象，如《人投鸟一石子》这幅画中的人物是“一个长着独眼和大脚的变态生物体”。几何抽象画的伟大倡导者蒙德里安，将绘画语言限制在最基本的直线、直角、三原色以及黑、白、灰之内，如图45，完全摒弃了客观物体的形式和内容，从而表现出一种纯粹的抽象。

抽象画法的手段是无限的，艺术家可尽情发挥和创新。波洛克抛开传统的绘画工具，将颜料滴、洒、泼，甚至甩向铺在地上的画布，推出了具有革命性的绘画技法——“滴流法”。马蒂斯的《蜗牛》则直接采用有色纸拼贴。劳申伯格更是亵读传统，他以机智、嘲弄与讽刺的手段，将轮盘、布袋、电灯装置等组装进“绘画”作品中。

90．什么是拼贴法？

拼贴法即是在绘画过程中，为获得独特的艺术效果，运用实物，如报纸、画片、相片等，根据设计意图剪裁成所需的形状，粘贴到画面上。通过绘画本身产生的肌理、轮廓线的运动变化、色块的对比呼应，改变粘贴物的物质性，具象或抽象地表达作者的意蕴。

拼贴法与民间剪纸和立体主义艺术有着不可分割的联系。立体主义打破了传统的造型观念，寻求新的表达方式，不顾及物象的真实性，用一种仅仅与自己的思想有联系的方式作画。力求表现出同一物象的各个方面或同一物象在某一段时间内的变化。这种将物象分解重组的技法被进一步发展成为在素描和油画作品上贴上与画的主题无关的报纸、包装纸、薄木板、玻璃、布条等物，使作品变成可以用手触及的物质性实体。此法开创了画家不依附于客观物象而仅凭主观造诣独立创作的新观念。

立体派的代表人物之一乔治·勃拉克是最早将报纸等现成材料引入绘画的，如图46。

《小提琴与烟斗》是勃拉克1913年用报纸、壁纸拼贴和炭笔技巧结合创作的。既突出了画面，又利用不同材料的重叠暗示出空间感。

拼贴并不是现代绘画的特有艺术形式，早期意大利教堂绘画作品就是利用画底色将有光泽的色料同金叶子结合的手法表现材料美感的极好例子。通过在石膏基底上制作浮雕图案、擦亮金叶子或偶尔点缀上贵重的宝石美玉来增强金叶子的富丽堂皇效果。这些将绘画颜料与金叶子结合而创作的宗教作品启发了克里姆特对综合材料的探索。他对浮雕金叶子和金色颜料形成的节奏图案进行了梦幻般的风格化排列，并将这种排列和曲线动感及优美的人体造型结合在一起，如图47。克里姆特为了达到猎奇和时髦，追求装饰的隐喻性，曾将大理石、金银箔、铜片、珊瑚、螺钿等材料镶嵌进油画作品中，从而极大的丰富了现代油画语言的表现特征。

91．构图艺术的基本法则是什么？

构图艺术的基本的、传统的规则之一，是几个世纪前古希腊哲学家柏拉图写下的，“构图就是发现和体现一个整体中的多样化”。它简练而概括地说明了画家应当怎样去安排一幅画的构图。

多样化可能存在于形体、色彩和作品中主要成分的位置安排上。多样化意味着创造形体和色彩的变化，这种变化将引起观众的注意，唤起他们的兴趣，激励他们仔细观赏并得到快感。但这种多样化不能过分，否则会使观众感到不安而失去兴趣。必须在一定的秩序内、一种整体的和谐中呈现多样化。也就是说：

多样之中求统一，

统一之中找变化。

这就是构图艺术最基本的法则。

就构图的形式而言，根据主体物的分布与组合可分为圆形构图、“S”形构图、三角形构图、四边形构图、丁字形构图等。无论什么样的构图形式，皆以对称或均衡求得统一。

对称意味着秩序、统一，非对称喻示着自由、多样。艺术家在表现严肃性主题时，常采用对称构图。如图48《圣母加冕》，委拉斯开兹运用对称形式，使得加冕仪式庄严且神圣。更多的画家采用非对称构图，来表现自己的创造力。在非对称构图中，形与色的份量通过偏离中心轴线得以补偿，取得平衡。

有成就的画家在构图上总是吸取前人的长处，独辟蹊径。每一幅传世佳作在构图形式上总有与众不同的新探索。正如罗斯金所说：“有关构图的艺术是没有什么固定规则的，如果有的话，那么提香和维罗奈斯就是普通而平凡的人了”。

92．什么是“黄金分割律”？

黄金分割律是几何数学中的比例关系，比值为1∶0.618……。在古罗马奥古斯都时期，有位著名的建筑师名叫维特鲁维斯，他在建筑设计中应用了这样的规则：“要把一个空间划分为惬意而美的两个区域，最小区域与最大区域的比例应等于较大区域与整个空间的比例”这一规则符合了“黄金分割律”。绘画上，黄金分割律体现为画面的长边短边之和与长边之比等于长边与短边之比。

古代绘画大师大都遵循“黄金分割律”作画。黄金分割律在构图中被用来划分画面和安排视觉中心点。画面中理想的分割线需要按下列公式寻找：用0.618乘以画布的宽，就能得到竖向分割线，用0.618乘以画布的高，就能得到横向分割线。用上述方法共能得到四条分割线，同样也得到四个交叉点。这四个交叉点常被画家用来安排画面的主要物象，使之形成视觉中心点。如委拉斯开兹的《崇拜耶稣》，其中小耶稣的头部正好处在黄金分割线的一个交叉点上，如图49。

黄金分割律具有一定的审美意义，但不能将其绝对化。古典主义画家曾按照黄金律来塑造人体比例，这种无个性的理想化模式，使人物缺乏生动的真实感。

93．油画作品如何署名？

油画作品的署名与油画的商品性有关。最初画家将署名作为宣传的标志，为扩大影响和增加作品订件而在作品上签署姓名，久而久之，署名成为画家的惯例。

据史料记载，油画家署名早见于阿尔勒莱希·丢勒的作品。丢勒将自己姓名开头的两个字母A·D组合起来签于画面上。

油画家的署名形式多种多样，但一般签在边角不起眼的地方。有的画家将名字签在“道具”或花纹之中，使其与画面融为一体。如荷尔拜因在《阿麦巴赫像》中的署名就写在背景树上的一块木牌上。德拉克洛瓦的《自由引导人民》的署名是在远处倒斜的木头上。谢洛夫的《少女与桃子》的署名在右下方近于台布的地方。

我国油画家署名常用缩写的拼音字母。现代画家多直接签署姓名或拼音、姓名联用，同时签署创作年代，并在画面背部签署作品标题。参展作品需要注明作品尺寸、作品材质、创作年代、作者及工作单位、详细通讯地址。部分画家还常常在画面中或边角处设置特殊标记，以免仿制。将自己的名字标志化签于画面，常被画家采用。如画家胡一川先生署名用“川”，简明易辨。

94．如何保存油画作品？

由于油画作品易受温度、湿度影响，因此应将其存放于气温相对稳定的房间里。古代大师绘画作品在温度、湿度、运输、清洗、维修、防盗等诸方面都有较严密而系统的安全保护措施。作为画家保存自己的作品应注意如下几方面。

（1）避免阳光直晒。

（2）避免放在潮湿阴冷的角落里。

（3）避免作品挤压、叠放。可做一个架子将自己的作品存于架子上。

（4）作品悬挂要牢稳。顶端稍前倾，这样既能获得良好的观赏效果，又能使画背后空气流通。

（5）在运输过程中，画面前后都应设有保护层，以免因顶撞损伤画面。

（6）给作品上光，保护色层油膜不受空气中有害气体的伤害。及时清洗发黄的光油。

（7）防尘埃、防蝇虫叮蛀。

（8）需要从内框上拆下的作品，必须彻底干燥。卷起时画面向外，轴心要大些，不能卷得太紧，似卷轴式中国画那样保存最佳。

95．如何修复受损的油画作品？

在欧洲，修复油画的技术在不同的国家有不同的方式。虽然技术不同，但有其共同的原则：所用于修复部分的材料以不强于原画的颜料为准。这样修复万一失败，还可以有补救的余地。

在我国，由于油画的历史不长，还没有完善的修复技术，被收藏的老一辈油画家的作品虽有明显的受损情况，一般也不进行修复而只是维护保存。

作为画家，对自己的油画作品首先要采取措施积极保护，万一受损，就应采取必要的修复措施。

（1）因挤压、顶撞造成的凹凸不平的画面，在没有裂纹产生的情况下，在背面的画布上适当喷些水，待画面平整后放通风处尽快晾干，使用电吹风加速干燥时，切忌温度过高，一般不采用阳光下晒干的办法。

（2）产生裂纹的画面很难修复，国外有专业维修人员和较先进的技术。简单的方法是：将裂纹处用松节油清洗后，平放画面，在有裂纹的背部衬垫有一定硬度的木板，然后在正面裂纹处用小锤轻轻敲打，将突出的边角压平，之后平涂优质透明乳胶于裂纹处，并对有明显裂纹处补以颜色，待干燥后上光即可。此法只限于无笔触肌理的平整画面，有肌理的画面在清洗后只能上胶、上光或补以颜色。有色块脱落的地方需要用乳胶调和大白粉（或立德粉）成膏状作填充材料。填充后再用颜色填补即可。

（3）因碰撞造成的破裂，修补的方法是：在破口处的背部涂上乳胶，剪一块稍大些的亚麻布贴上，借助刀具将破口整平对齐，画面朝下平放在平整的桌面上。在衬补的亚麻布上用电熨斗熨烫，注意不要让透过破口的乳胶粘在桌面上。平整之后待干，然后再用颜料填补修改破损处，如果破损处非常明显，则需要用填充材料填补后再着色。

96．制作永久性作品的简单规则是什么？

绘制永久性油面作品，应遵守下列规则：

（1）选用优质亚麻布和坚固耐用的内框，将画布均匀、平整、牢固地钉在内框上。

（2）所制作的画布底子必须有良好的颜料附着性，尽量不吸油或少吸油。

（3）底层颜料尽量少用油，可用挥发性强的松节油来调色。覆盖层采用“肥盖瘦”涂色法，以免干燥时引起皱纹。覆盖层不可用松节油调色，可用松节油、调色油、上光油合成的调色液（“三合一”调色油）调色。

（4）为增加颜料的附着性，应尽可能用新鲜的颜料，即刚从颜色管中挤出的颜料。放置在调色板上的旧颜料其着色力会减弱，尤其是加了稀释剂而回复到正常稠度的旧油性颜料。

（5）在干透了的色层上着色，应使用衔接剂或润色剂。使用衔接剂或润色剂时一定要薄涂，最好涂过剂液之后再用餐巾纸吸一下。

（6）所使用的油画颜料应是较稳定的颜料，对于耐光性较差，易变色、泛色起化学反应的颜料，应尽可能少用或不用。

（7）待画面色层彻底干燥后，给画面徐一层上光油以保护画面，色层干燥所需时间一般为3～6个月。较厚的着色层在秋冬季节里需要半年多的时间才能干燥。反之，较薄的着色层在夏季两三个月就能干透。

（8）着色时少用调色液，尽量减少色层中油的含量。因为油膜易变黄，透明画法含油较多，干燥后必需用光油来隔离色层油膜与空气的接触。光油层变黄之后，应及时清洗掉，更换新光油。

97．什么是丙烯颜料？

丙烯颜料属于人工合成的聚合颜料，发明于20世纪50年代，是颜料粉调和丙烯酸乳胶制成的。丙烯酸乳胶亦称丙烯树脂聚化乳胶。丙烯树脂有许多种，如甲基丙烯酸树脂等，因此，丙烯颜料也有很多种类。国外颜料生产厂家已生产出丙烯系列产品，如亚光丙烯颜料、半亚光丙烯颜料和有光泽丙烯颜料以及丙烯亚光油、上光油、塑型软膏等等。

丙烯颜料深受画家欢迎。与油画颜料相比，它有如下特性：

（1）可用水烯释，利于清洗。

（2）速干。颜料在落笔后几分钟即可干燥，不必像油画作品那样完成后需等几个月才能上光。喜欢慢干特性颜料的画家可用延缓剂来延缓颜料干燥时间。

（3）着色层干后会迅速失去可溶性，同时形成坚韧、有弹性的不渗水的膜。这种膜类似于橡胶。

（4）颜色饱满、浓重、鲜润，无论怎样调和都不会有“脏”“灰”的感觉。着色层永远不会有吸油发污的现象。

（5）作品的持久性较长。油画中的油膜时间久了容易氧化，变黄、变硬易使画面产生龟裂现象。而丙烯胶膜从理论上讲永远不会脆化，也绝不会变黄。

（6）丙烯颜料在使用方式上与油画的最大区别是带有一般水性颜料的操作特性，既能作水彩，又能作水粉用。

（7）丙烯塑型软膏中有含颗粒型，且有粗颗粒与细颗粒之分，为制作肌理提供了方便。

（8）丙烯颜料无毒，对人体不会产生伤害。

应当注意的是：丙烯画应在丙烯底涂料（GESSO）制作的底子上绘制，不要用油质底子作画。材料专家也不主张丙烯与油画色混合使用，尤其不要在丙烯底子上画油画，这主要是为了作品的永久性保存。丙烯与油画颜料之间并没有不良反应，交替使用时，其附着力有待于时间的检验。

98．什么是醇酸树脂颜料？

醇酸树脂颜料是继丙烯颜料之后发明的又一种人工合成颜料。这种颜料的结合剂为醇酸树脂液。它虽不像丙烯颜料曾一度引起艺术家的兴趣，但在今天国外美术用品市场上，醇酸树脂颜料以其独特的优势，越来越受到艺术家的关注。

（1）醇酸树脂颜料又称“快干油画颜料”，实际上它比丙烯颜料干得慢些，一般一夜之间画面就可以触摸，一个月后即可涂上光油，对于不喜欢速干的画家来说，这是一大优点。

（2）油画的干燥过程是氧化过程，并且油膜干后仍继续氧化直至老化。而醇酸树脂等聚合颜料的干燥过程是聚合过程，一旦稀释剂（水、酒精等）挥发，聚合过程即结束。从理论上讲，聚合颜料（包括丙烯）干后，其色泽永远不会改变。

（3）醇酸树脂颜料的使用方法更为灵活，而且可以和丙烯颜料混合使用。在一个标准的作画时间内，其画法跟油画完全一样，只是第二天就可以涂上光油或覆色。

（4）醇酸树脂颜料中每一种颜色的干燥速度都一样，而且在外观上比油画色更为统一。

（5）其着色层绝没有“吸油”现象，表面效果与涂了上光油的油画色完全一样，这也是该颜料夺目的秘密之所在。

（6）着色层的坚韧性与丙烯相同，没有开裂的倾向。

（7）醇酸树脂作品有着更为深沉的光泽，更接近珠宝的质感。

（8）醇酸树脂颜料适合于多种支承材料。纸张、墙壁、塑料、玻璃和金属板均可。

（9）能与油画颜料交替使用。最好的作法是用醇酸树脂颜料作底画，然后再使用油画颜料绘制作品。当然两种颜料可以直接调和使用，这样能加快油画色的干燥速度。另外，可以用醇酸树脂媒介剂作油画颜料的调和剂，并且不同的媒介剂用于不同的画法。注意：两者需进行充分调和。

醇酸树脂为未来的油画颜料提供了美好的前景。为满足艺术家的需求，国外市场上出现了多种类型的醇酸树脂颜料和媒介剂，为艺术家的创造提供了更为广泛的绘画空间。

99．什么是水溶性油画颜料？

水溶油画颜料是指可以用水稀释和清洗的颜料，它摆脱了油溶颜料那种令人不快的刺鼻气味。水溶油画颜料与传统油画颜料在配方上毫无二致，只是其中的亚麻仁油调和剂被改造得具有“亲水性”。同时二者在鲜艳度、粘性、湿润度、干燥度上都一样，而且使用同样的支承材料与底子，同样遵守“肥盖瘦”原则，都能与传统油画媒介兼容。

水溶油画颜料用水不易过多，否则有可能使颜色分离成半球状。它也可以与油画颜料混合使用。

国外美术用品市场上还有一种快干水溶性油画颜料，其干燥度与醇酸树脂颜料相同。

油画颜料用水作溶剂听起来让人难以置信，只要花一点时间去适应这种颜料的亲水性，用水代替松节油，就可获得自由运用的新感觉。

100．新颜料的开发对油画的发展有什么影响？

在整个艺术史上，艺术家总是以不同的方式改进油画颜料，使其适应不断变化的审美观念。或者去掉油色的光泽，或者使之更有光泽，或者增加油脂，或者减少油脂，从而使油画色以其足够的灵活性迎合各种变化。

目前国外美术用品市场上出现了种种油画色的变体，比如：丙烯颜料、醇酸树脂颜料和水溶性油画颜料等。传统油画颜料自15世纪末16世纪初形成之后，其配方基本相同：经研磨的颜料粉调配一种能干的油，颜料与油都是天然材料。而新颜料的调合媒介——“油”是一种人造的树脂胶。本世纪初，合成树脂的发明是作为高质量的涂墙漆使用的。目前国内市场上出售的“立邦漆”就是人工合成的树脂油漆。合成树脂最初用于绘画是制作“坦培拉”乳液，其快捷的干燥速度和干后形成的坚韧色层，给画家带来诸多便利和新奇感受。合成树脂颜料从开发到现在早已度过了实验期，而成为备受油画家欢迎的新型绘画材料。

材料的变革预示着绘画技巧的更新和架上绘画的发展。新的艺术流派或运动总是伴随着新技巧或新材料的应用。例如：蛋胶液的应用使乔托、波提切利等大师受益匪浅；油脂的应用，使坦培拉绘画发展成古典透明画法；油画颜料的出现使直接画法成为可能；管装油画颜料的制作为印象派及其后的现代绘画提供了方便。那么，合成树脂颜料的应用会不会产生新的绘画面貌呢？

在美术创作流派纷呈的今天，传统材料和技法已不能满足艺术家的创作需求。新效果是新要求的必然结果，全新的合成树脂颜料必将广泛地为现代人所接受。